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El arte, una ruleta que mueve millones

Termina una semana récord con marcas históricas para Andy Warhol, Mark Rothlo y Francis Bacon; el efecto Rockefeller y Marcie Riviere en la cotización de una obra y los beneficios de un contexto optimista, para arteBA

Andy Warhol tenía razón: todo vale por quince minutos de fama. Lo que no imaginó fue el alcance de la fama propia que lo ha convertido en la superstar del mercado de arte contemporáneo. El último miércoles, 16 compradores planetarios pusieron en movimiento la cabalgata de los altos precios en la sala de Christie s de Rockefeller Center, Nueva York. "Como si fuera un casino -escribió Carol Vogel en The New York Times - gastaron millones en un par de horas para marcar un hito en la historia de las subastas".

Un día antes, Mark Rothko, colorista sublime, logró el récord para una obra de arte contemporáneo por Centro blanco, que además de la belleza propia de la pintura, tenía el plus de la procedencia: la colección David Rockefeller. ¿Cuántos millones de los 72,8 que pagó el nuevo dueño del Rothko tienen que ver con el pedigree? La pintura salió escoltada por el Retrato del Papa Inocencio X, de Francis Bacon, que marcó un nuevo récord para el artista nacido en Dublin.


La cereza del postre de esta lluvia de millones fue Auto verde estrellado, de 1963, inicio formal de la obra seriada, creada a partir de las fotografías de un choque publicadas en Newsweek y luego intervenidas por A.W.

La obra enfrentó a dos compradores telefónicos, hasta que el británico Christopher Burge, con Francois Curiel, sin duda, los dos mejores rematadores de la actualidad en el mercado internacional, bajó el martillo en 71 millones de dólares. Al difundir esta noticia, la única reflexión posible es decir que el arte no tiene precio.

Estaba en Nueva York cuando murió Andy Warhol. La causa de la muerte fue, según el parte médico, una tonta complicación pulmonar. La repercusión en los medios y la subasta que Sotheby s organizó de sus colecciones vendidas a precios increíbles confirmaron la huella de la fama. Curiosamente, el iconoclasta Warhol vivía rodeado del lujo propio de un noble británico. Muebles victorianos, tapicerías verdure y bronces renacentistas. Como Picasso, supo hacer del artista un personaje y del personaje un artista. Su exposición pública no tuvo límites y su influencia en el terreno del arte llega hasta los más jóvenes.

Prueba de ello es la obra del cordobés Gerardo Oberto exhibida en 15 por 15, semillero de nuevos artistas impulsado por la galeria Praxis. Oberto repite como un sistema los fondos impresos a la manera warholiana.

Me crucé con Andy Warhol muchos años atrás en un desfile de Calvin Klein, en el show-room del diseñador en la calle 37 y Fashion Avenue. Estaba sentado con Bianca Jaegger en la primera fila y fotografiaba a las modelos con una polaroid, con su infaltable t-shirt negra y la peluca blanca.

¿Quién hubiera dicho que en menos de veinte años su obra se cotizaría más que un Old Master calidad museo, que un Rubens, un Rembrandt o un Vermeer, considerando que el maestro de Delft, por ejemplo, pintó poco más de treinta cuadros en toda su vida?


Los coleccionistas de arte saben que tan importante como el estado de conservación de una pieza, sea mueble o pintura, a la hora de la cotización importa la procedencia. La evidencia de que el mecanismo funciona llegó el martes último cuando Saráchaga subastó la colección de Rosemarie Marcie-Riviere, la millonaria que se crió en los alpes suizos y murió en La Favorita, una estancia de Brandsen.

Sala llena, entusiasmo a raudales y muchos compradores que volvieron a casa con las manos vacías, porque los precios se fueron a las nubes. Un amigo arquitecto, apasionado coleccionista de pintura argentina, llegó hasta el petit hotel de la calle Juncal con la firme intención de comprar uno de los patos de cerámica, que, dicen, le regaló Cristina Onassis a Rosemarie. Imposible seguir el ritmo de las ofertas, el buen hombre renunció a su deseo cuando el precio superaba más de diez veces el estimado de la rematadora. Lo mismo sucedió con los muebles, las mesas y los objetos, en una noche para recordar.

Esta euforia compradora ha coincidido con arteBa en su edición 2007, que registra también un nivel de ventas superior al esperado por los más optimistas. Antes de arrancar, se multiplicaron los puntos rojos en los stands de las galerías y las sonrisas de sus titulares.

La presencia del coleccionismo internacional (ver página 7) le pone una cuota de adrenalima a la circulación por el predio ferial. "Ese señor con acento que acaba de preguntar por un precio, ¿será un coleccionista millonario de Puerto Rico?¿O un peruano que ha decidido coleccionar arte argentino?", se pregunta una galerista delgada como un junco.

ArteBa cuenta, además, con un aliado estratégico: la ciudad de Buenos Aires, a la que el otoño le sienta bien. Por el amarillo ocre de los árboles, por el sol tibio del mediodía y por la agenda de exposiciones, que empalidece las guías de las grandes capitales. Basta citar las muestras de Seguí (Recoleta y Borges); de Yuyo Noé ( Mamba-Palacio de Correos); de Volpi (Malba); de Arte de Croacia, en el Museo de Arte Decorativo. En el circuito de galerías, la muestra de Desnudos, en Coppa Oliver, la selección de obras de grandes maestros que exhibe Maman, en el Paseo de las Artes, del Palacio Duhau Park Hyatt y la Retrospectivade Fernando Canovas, en la galería Maman de Libertador, acompañada de estupendo catálogo con prólogo de Fabián Lebenglik.

Por Alicia de Arteaga
De la Redacción de LA NACION

Domingo 6 de mayo de 2007

En Nueva York

Esperan récords en el arte contemporáneo

Comienza la temporada de remates

 

NUEVA YORK (AFP).- Con récords esperados para Andy Warhol y Bacon, y un Rothko estimado en 40 millones de dólares, el arte contemporáneo parece recobrar a los maestros impresionistas y anticipar precios astronómicos en las subastas que comenzarán pasado mañana en esta ciudad.

Según las primeras estimaciones, el total de las ventas que se harán entre el 8 y el 17 de este mes podría superar nuevamente la barrera de los 1000 millones de dólares, como ocurrió por primera vez en la temporada pasada.

Las dos grandes casas rivales, Sotheby s y Christie s, sustentan su confianza en las altas cifras alcanzadas en 2006, con cinco obras de Klimt vendidas en 327 millones de dólares; récords para Gauguin, Schiele, Kirchner y Warhol, un Cézanne a US$ 37 millones y un Pollock a US$ 140 millones, que marcó un récord mundial.

Para estas subastas de arte contemporáneo, Christie s pronostica "un valor nunca obtenido en una velada de subastas contemporáneas". Se esperan de 225 a 300 millones de dólares en la noche del 16 de mayo.

Se pondrán en venta diez obras de Andy Warhol, entre ellas Green Car Crash (1963), que con un precio estimado de 25 a 35 millones podría batir el récord del artista (US$ 14,4 millones por Mao, comprado en US$ 17,4 millones por un millonario de Hong Kong). Otra obra maestra es Lemon Marilyn (1962), estimada en más de US$ 18 millones.

En Sotheby s, la velada de arte contemporáneo del martes 15 también promete fuerte expectativas, con la venta de parte de la colección del filántropo neoyorquino David Rockefeller y la obra White Center, de Mark Rothko, que podría superar los US$ 40 millones. Su récord actual es de US$ 22,4 millones, en 2005 por la venta de Homenaje a Matisse, el precio más alto pagado en las subastas de arte de posguerra.

Sotheby s pondrá en venta, además, el Estudio del papa Inocencio X, que Bacon pintó en 1962, basado en una serie realizada por Velázquez en el siglo XVII, que podría llegar a US$ 30 millones.

Las expectativas se extienden a la obra Number 16, de Pollock, con una base inicial de US$ 18 millones), y Los amantes, de Picasso, estimado en US$ 10 millones.
Link permanente: http://www.lanacion.com.ar/906202

El ADN del arte moderno

Los curadores de museos han heredado los conocimientos de uso y restauración del óleo, pero saben poco de pinturas sintéticas y de cómo proteger su futuro

LOS ÁNGELES.- En un laboratorio de blancura inmaculada cercano a esta ciudad, un científico británico, el doctor Thomas Learner, destapa una pequeña caja de platinas comunes, aunque con muestras extrañas. En vez de las bacterias o sustancias químicas habituales, traen pintura acrílica, ya seca, en decenas de colores y tonos. Son tan valiosas como los isótopos raros. Provienen de del taller del pintor abstracto Sam Francis, de Santa Mónica, fallecido en 1994. Como tantos otros artistas de su generación, Francis abandonó prácticamente el óleo -el medio tradicional durante cinco siglos, por lo menos- por los acrílicos, esmaltes, álquidos y otras sustancias más sintéticas que orgánicas.

Las nuevas pinturas aparecieron a partir de los años 30. En los 50, muchos artistas empezaron a usarlas porque les daban más libertad creativa que el óleo. Morris Louis creó un efecto etéreo en sus telas manchándolas con acrílico diluido, en vez de pintarlas. Jackson Pollock usó esmaltes brillantes porque goteaban y chorreaban como él quería. Bridget Riley y Frank Stella utilizaron pinturas comunes. Stella adujo que "salían del tarro con ese lindo tono mate" que él deseaba.

Los curadores de museos han heredado los conocimientos de varias generaciones respecto de los óleos, pero saben relativamente poco de pinturas sintéticas y de cómo proteger las obras maestras creadas con ellas. Muchas ya se acercan al medio siglo. Los acrílicos pueden ablandar las superficies más que los óleos, facilitando así la acumulación de polvo y suciedad y el enmohecimiento. ¿Cómo se deben limpiar y transportar? ¿Cuáles serían la temperatura y humedad ideales en las salas de exposición? ¿Qué pueden hacer los museos frente a problemas concretos, además de aterrarse o llorar? Por ejemplo, hace pocos años, en un cuadro de Mark Rothko, un rojo intenso fue virando hacia un azul pálido y una obra de Pollock, tasada en decenas de millones de dólares, empezó a resquebrajarse.

Para responder a estos interrogantes, el Getty Conservation Institute de Los Ángeles, junto con la Tate de Londres y la National Gallery of Art de Washington, iniciaron en 2002 el ambicioso proyecto Pinturas Modernas. Es solo una parte de un emprendimiento mucho mayor, destinado a los curadores que, hoy día, tienen que habérselas con cuadros, esculturas e instalaciones hechos con materiales tan extraños y frágiles como el látex, los viejos tubos de rayos catódicos, los fluorescentes, el hueso de ballena molido, ovejas conservadas en formol y, por lo menos, una cabra de Angora embalsamada.

Learner, un experto recién llegado de la Tate, empezó a centrar su interés en las pinturas a comienzos de los 90, en parte porque creyó que allí se podría avanzar con relativa rapidez. Además, los resultados beneficiarían a los numerosos museos en cuyas colecciones de arte moderno predominan las pinturas. "Por entonces, fue un trabajo bastante solitario", recuerda.

Ya no. El Getty está en la vanguardia, no sólo por ser una de las instituciones artísticas más ricas del mundo, sino también porque, al no poseer una colección de arte moderno, no necesita ceñirse a sus propios problemas.

En estos últimos años, el Getty aplicó tecnologías complejas y carísimas en sus laboratorios, encaramados en las colinas de Brentwood. Formó una amplia base de datos sobre tipos de pigmentos, solventes, aglutinantes químicos y otras sustancias. Ayudó a descubrir mejores métodos de limpieza, conservación y traslado. Contribuyó a esclarecer las técnicas de artistas como el retraído Morris Louis.

En una recorrida del laboratorio, Learner y un colega, el doctor Michael Schilling, muestran algunos aparatos. Un microscopio electrónico de barrido que costó más de un millón de dólares. Un espectroscopio con rayos infrarrojos, utilizado para establecer las "huellas digitales químicas" de muy diversas cosas, desde asteroides hasta drogas ilícitas. Un microfadómetro que dirige un intenso rayo de luz (8 millones de lúmenes por metro cuadrado, comparados con los 120.000 de un mediodía sin nubes) sobre un área diminuta de un cuadro para ver cómo se decolora. Un enorme medidor de desgaste Atlas Ci4000 que, utilizando xenón, simula en pocos meses los efectos de varias décadas de exposición a la luz solar y el calor. Sobre una mesa, una caja de cartón nos recuerda la especialidad del laboratorio con esta advertencia manuscrita: "¡Cuidado! Contiene obras de arte"

Un científico trabaja en un proyecto que demuestra los beneficios indirectos de las investigaciones. Una curadora de Los Ángeles que intentaba salvar un mural urbano de Peter Quezada en Highland Park, desfigurado con grafitos, pidió ayuda al Getty para identificar las pinturas utilizadas en estos. La espectrometría de una muestra del tamaño de una migaja reveló que, en realidad, combinaban dos tipos de pinturas que requerían tratamientos diferentes.

Sobre una mesa cercana, se diría que adrede, aguardan su análisis varios pomos de pintura provenientes del taller de otro muralista famoso, Jacob Lawrence. Detrás, en un rincón, otro científico, Eric Hagan, somete a un análisis térmico un blanco de titanio fabricado por Golden Artist Colors en el estado de Nueva York. En un horno pequeño, lleva la muestra a una temperatura de 1.100ºC "para soltar la cadena de polímeros".

Con franqueza cordial, Learner y Schilling sueltan expresiones que espantarían a la mayoría de los pintores y curadores: pigmentos fugitivos , fragilización , pegajosidad , amarilleo ... Según cuentan, sus primeros descubrimientos indicaron que, en ciertos aspectos, muchas pinturas modernas, en especial las acrílicas, eran más estables que los óleos. Pero todavía queda mucho por averiguar. Y los fabricantes de pinturas, que deberían conocer sus productos mejor que nadie, por lo común les prestan poca ayuda porque tienden a guardar sus secretos industriales.

"Los peores son los fabricantes de pinturas de uso industrial", dice Learner. Pero aun aquellos especializados en las de uso artístico suelen hacerles firmar acuerdos de confidencialidad cuando les informan sobre la composición de sus productos. "Nos crean un problema, pero es parte de nuestro trabajo seguir adelante y encontrar soluciones que difundiremos oportunamente", agrega.

Con un ademán amplio, señala a sus compañeros -que parecen preparar una misión a Marte o buscar una cura para el cáncer- y concluye: "Como ve, en eso estamos".

Por Randy Kennedy
Para LA NACION

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 Francia: el museo del Louvre estiró su record en 2006 y volvió a ser el más visitado del mundo

El Museo del Louvre registró en 2006 un número récord de visitantes, 8,3 millones, frente a los 7,5 millones de 2005, cuando alcanzó el primer puesto en la lista de museos más visitados del mundo, informó hoy la institución.

El número de visitantes al museo alcanzó cifras record debido a los programas de los viernes por la noche, las exposiciones temporarias y una serie de conferencias de la premio Nobel de literatura Toni Morrison, afirmaron hoy los directivos del museo parisino.

El Louvre dijo en su comunicado que aún estaba evaluando los factores que afectaron las cifras de 2006. No mencionó el impacto que pudo haber tenido la película "El código Da Vinci'', filmada en parte en el museo, pero las autoridades habían previsto que atraería a los aficionados al cine.

El museo también ofrece conciertos, lecturas de poesía y otros eventos los viernes por la noche, con entrada gratuita para los menores de 26 años.

En 2006, el museo presentó 17 exposiciones, entre las que destacaron la dedicada a Ingres (24 de febrero-15 de mayo) con 379.000 visitantes y "Las Joyas indias en la época de los Grandes Mongoles" (5 de julio al 4 de septiembre), que acogió a 90.000.

Las exposiciones de la recta final de 2006, Rembrandt y Willian Hogarth totalizaron 212.000 visitantes.

El sitio en Internet "louvre.fr", que presenta las 35.000 obras de las colecciones permanentes, fue consultado por más de 9,6 millones de internautas.

Invertir en arte es lo más rentable

El mercado de arte vivió momentos de tranquilidad y de subas regulares hasta la Segunda Guerra Mundial. Cuando la guerra terminó, los volúmenes y los participantes en las transacciones se multiplicaron geométricamente. La revista «Fortune» sostiene, con estudios basados en el análisis del mercado, que es la mejor inversión, superando a las acciones, a los inmuebles y a los bonos de renta fija o variable

El gran despegue ocurrió en la década del '80 y una de las protagonistas fue Amalia Lacroze de Fortabat, que con puntería de gran cazadora, adquirió la pintura más cara jamás subastada, (un paisaje de Venecia, recreando la historia de «Romeo y Julieta», pero no en verona sino en Piazza San Marcos). La enigmática «Dama de Blanco», como la citó «The New York Times», se alzó con la pintura, que aún conserva en el living de su casa, en la suma de siete millones de dólares, locura para la época y gran «ganga» al día de la fecha.

Su competidor durante unos años fue el armador griego Niarchos, y entre los dos se arrebataron las mejores obras, hasta que aparecieron los inversores japoneses que alteraron durante casi un década (hasta 1991) la lógica del mercado y elevaron no sólo el arte impresionista sino también todas las escuelas, con excepción de los Old Masters a los cuales nunca han sido afectos.

Como en el tango, la falta de crecimiento los llevó cuesta abajo y tuvieron que entregar en prenda las obras adquiridas para garantizar los préstamos tomados para comprar obras de importancia. Luego vinieron otros 15 años de tensa -y densa- calma, como un velero en alta mar y a la suerte de los vientos que no vinieron. Pero el ventarrón se vino este año 2006; todos los mercados han subido y en algunas escuelas como la impresionista se superan los récords de 1990 con gran facilidad.

El mercado de arte moderno, con Andy Warhol a la cabeza, alcanza precios astronómicos y todo esto nos hace acordar a las ciclos económicos que reflejan los vaivenes bíblicos de los siete años de vacas flacas y de las gordas. Creemos que se han pasado de revoluciones, que alquien pondrá un freno a esto y que el mismo será violento y alejará a varios protagonistas del mercado.

Inflación

Hablar de nueve cifras o de más de cien millones de dólares produce una distorsión enorme y esto se pagará con una abrupta caída de precios; los que se perjudicarán no son sólo aquellos que compraron las obras, sino tambien todos los involucrados en este fascinante mundo del arte.

Todo ha subido y en todos los lugares. No aumenta en ninguna parte la cantidad de obras en oferta, pero sí y en forma muy grande, aquellos que se incorporan al mercado para comprar, obtener prestigio o tan sólo disfrutar de algunas obras de su gusto en sus residencias o empresas.

El volumen ha crecido cerca de 40 por ciento en el hemisferio norte y 15 por ciento en aquellos países que se encuentran debajo del Ecuador. Cerca de 400 artistas internacionales han visto superados sus récords en subastas públicas, y en algunas escuelas el porcentaje es mayor. La incorporación de una mayor demanda hará subir los precios, pero no cometer locuras es la consigna en este momento de crecimiento fuerte y constante.

Que los precios de Picasso subirán, nadie lo duda; pero muchos descreen de que por un Klimt o un De Kooning se vuelvan a pagar cifras astronómicas. El mercado local tendrá una fuerte demanda, y si se consignan obras de calidad, hay varios interesados en seguir subiendo sin prisa y sin pausa los precios hoy rezagados

Ámsterdam homenajea a Rembrandt en el cuarto centenario de su nacimiento


Un 15 de julio de 1606 nació en Leiden (Países Bajos) uno de los más grandes pintores de la historia del arte occidental. Su nombre es Rembrandt Harmenszoon van Rijn, el pintor holandés del Barroco, al que ahora, 400 años después, el mundo le rinde homenaje.

Pese a que aún falta más de un mes para celebrar su natalicio, en Holanda ya han comenzado numerosos actos y exposiciones. Una de las atracciones más destacadas del Año Rembrandt 2006 es la exposición "La búsqueda de un genio", que del 1 de abril hasta el 2 de julio se ha organizado en el museo Het Rembrandthuis de Amsterdam, ubicado en la casa donde el pintor vivió, pintó y negoció de 1639 a 1658.

Quizá sea esta exposición la más rigurosa y a la vez la más nostálgica del gran despliegue artístico que vivirá Amsterdam durante el 2006. El rigor lo aporta su comisario, Ernst van de Wetering, el miembro más antiguo del Rembrandt Research Project, institución fundada en 1968 para estudiar la autenticidad de los cuadros atribuidos al artista.

A través de más de 50 cuadros y 50 dibujos y aguafuertes, la muestra pretende acabar con los mitos sobre Rembrandt, y arrojar nueva luz sobre el pintor como genio creativo y como fuerza motriz en un taller extremadamente productivo. Muchos de los cuadros de la muestra, procedentes de museos de todo el mundo, volverán por primera vez al lugar donde fueron pintados.

La programación del Año Rembrandt 2006 la puedes encontrar en: www.rembrandt400.com

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Nace una estrella

La pintura asiática, de China, India, Nepal y el Himalaya, logró, en Sotheby´s de Nueva York, precios récords. J.M.W. Turner es el artista británico mejor cotizado



Tenía que suceder. Tarde o temprano el mercado de arte registraría el crecimiento de las economías de la India y China, que junto con Bono, el filántropo vocalista de U2, fueron foco de atención mediática en la última cumbre de Davos, Suiza.

Tal como sucedió con los árabes, capaces de empinar con los petrodólares la pintura orientalista a fines de los setenta, y con los japoneses, responsables de la espiral de precios de los impresionistas diez años más tarde, los compradores asiáticos hoy son noticia.

En menos de dos años, han convertido un segmento del mercado prácticamente inexistente en un suceso. Se explica entonces que los marchands europeos y norteamericanos hayan hecho de la ruta Pekín-Shangai-Hong Kong su ruta, y que el aprendizaje del chino sea hoy una tendencia en alza entre los operadores internacionales.

El 28 de marzo último, la subasta de la colección Jucker de pinturas del Himalaya totalizó 13, 6 millones de dólares, un volumen que supera los totales de los remates de arte latinoamericano con más de veinte años de historia y, por cuestiones geográficas y continentales, con más puntos de contacto. La venta de las pinturas himalayas y de arte moderno indio anotó un récord para Tapovan, de S.H.Raza, fechada en 1972.

El cuadro, favorito de la selección rematada por Sotheby´s, tenía una estimación de 800.000 dólares y fue adquirido por un ofertante telefónico en 1,4 millón de dólares . Tres compradores compitieron por esta obra que se inscribe en el expresionismo abstracto, asociada, por la composición y la paleta, con obras de Rothko, Francis y Pollock. Podría agregarse que la imagen recuerda la estampida cósmica de algunas pinturas del chileno Matta.

Figura cayendo con pájaro, de Tyeb Mehta, fechada en 1988, fue adquirida en 1,2 millón de dólares por el representante de una empresa india con base en Nueva York

Los trabajos de Tyeb, según Robin Dean , director del departamento de arte indio de Sotheby´s, están influenciados por la violencia que siguió a la crisis de 1947. Son imágenes minimalistas sobre fondos de color plano, que aluden a un mundo de soledad y terror.

Pintura del Himalaya

La colección Jucker, reunida por Ernst y Angela Jucker en los últimos cuarenta años, reúne cautivantes de objetos budistas y símbolos hindúes de valor estético e iconográfico. El arte moderno de la India encontró reconocimiento en el mercado internacional a partir de 1995, cuando Sotheby´s puso a la venta la colección Herwitz. Por 180 obras logró entonces 800.000 dólares; diez años más tarde, la misma rematadora dispersaba un conjunto de 160 piezas del mismo origen por 7 millones de dólares. En las últimas ventas estos valores se han duplicado.

La primera subasta de arte contemporáneo chino organizada por Sotheby´s (31 de marzo, Nueva York) obtuvo un total de 13,2 millones, el doble del estimado.

Matthew Weigman, vocero de la rematadora, informó que la guerra de ofertas en la sala había sido "furiosa",: con 25 representantes de la firma recibiendo ofertas telefónicas.. Doce compradores pelearon hasta la recta final por la pintura de Zhang Xiaogang que ilustra este comentario. Bloodline Series, de 1998, subastada al récord de 979.000 dólares, casi nueve veces el estimado. esa noche se batieron 21 récords. Entre otros fue vendido Lions, obra de 1989, de Yue Minjun´s, integrante del movimiento conocido como realismo cínico, en 564.8000 dólares. Salvo Berni, el argentino más cotizado, no hay artistas en esta parte el mundo que concreten tamaña acrobacia en su cotización.

Turner veneciano

La semana cerró con el récord de 35,8 millones de dólares para La vista de la Giudecca, pintada por J.M.W. Turner, el inglés que vio la luz como nadie.

Precedido de una efectiva campaña de marketing, Christie´s sabía que tenía en su mano una carta ganadora: las pinturas venecianas de Turner son pocos y muy buscadas. Veamos. El precio de la veduta es cinco veces más alto que el pagado, en los años ochenta, por Amalia Lacroze de Fortabat, por Julieta y su niñera, un paisaje encendido de rojos iluminada como Turner sabe hacerlo ha presidido por años el living del departamento de la empresaria, en el vecindario de la Plaza Alemania. En su momento, fue un récord que parecía astronómico e imposible de superar.

Mañana comienza el remate de carruajes, atalajes y platería organizado por Saráchaga en la Rural. Cita obligada de gente de campo.

Por Alicia de Arteaga
De la Redacción de LA NACION
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Cada vez más Argentinos hace sus compras en Internet

Más de 3 millones de argentinos compraron online en 2005.

Los especialistas dicen que ahora la gente no tiene tanto miedo de ingresar los datos de su tarjeta de crédito además puede utilizarse una tarjeta virtual recargable sin riegos
Se adquieren desde artículos de supermercado hasta pasajes

Hace unos años, se creía que el comercio online revolucionaría la manera como la gente realiza sus compras. Hoy se puede comprobar que, si bien ese objetivo aún está por alcanzarse, no estaba del todo errado: según datos de la Cámara Argentina de Comercio Electrónico (CACE), uno de cada tres usuarios de Internet en el país, que ya suman 10 millones, efectuó en 2005 alguna compra online.

"El comercio electrónico se ha afianzado en la mente de los consumidores como un medio más de compras", señaló Marcos Pueyrredón, presidente de la CACE. Y agregó: "Internet se consolidó como el cuarto canal para la comercialización de productos y servicios, que complementa y potencia a los canales tradicionales: cara a cara, teléfono y facsímil".

Todo aquel que tenga una computadora conectada a la Web puede efectuar una compra online. "Pero el perfil tipo del consumidor es un usuario de Internet con más de tres años de antigüedad, de 35 años y de un nivel socioeconómico medio-alto", resumió Pueyrredón.

Si bien no existen datos comparativos con años anteriores en cuanto a la cantidad de usuarios que compran online, según estadísticas de la consultora Prince and Cooke, en 2000 los usuarios de Internet en la Argentina gastaron 23 millones de pesos en compras online, mientras que en 2005 la cifra ascendió a los 1380 millones. "El comercio electrónico en la Argentina muestra signos positivos de crecimiento en cuanto a usuarios que realizan compras, productos ofertados y montos gastados", destacó Pablo Tedesco, director asociado de la consultora.

Anteriormente, el principal problema con el que tenía que lidiar el comercio electrónico era el miedo de los consumidores a la hora de dejar los datos de su tarjeta de crédito en la Web. Pero según contó a LA NACION Pablo Carranza Vélez, director de administración y logística de Le Shop -único supermercado 100% virtual en el país- "el fraude de la tarjeta es un mito viejo; ese riesgo ya no existe, y hoy los consumidores que no se animan a poner los datos por miedo a que les roben son muy pocos", informó.

Los números que maneja Disco Virtual dan cuenta de este fenómeno: "El 60% de los 50 mil clientes activos que tenemos por año utilizan la tarjeta de crédito para efectuar su pago", confesó Hernán Soto, gerente de operaciones de Disco Virtual.

Además, actualmente, la mayoría de los sitios ofrecen métodos de pago alternativos al uso de tarjetas, como la contra entrega en efectivo, la utilización de tickets, el débito en bancos y hasta cheques, si se trata de clientes regulares. Según Tedesco, "la forma de pago que más se difundió es la contra entrega, porque le garantiza al consumidor que recibirá todo en forma correcta".

Cecilia Toyos, arquitecta, de 34 años, dejó de ir al supermercado en 2004, y desde entonces realiza sus compras por Disco Virtual: "No cargo bolsas; no hago colas; encuentro lo que busco más rápido y me ahorro un montón de tiempo", contó a LA NACION, y agregó: "Todo está a un clic de distancia".

Un estudio realizado en diciembre de 2005 por la CACE y Mercadolibre.com, indica que la principal motivación para comprar a través de Internet es la posibilidad de ahorrar tiempo. Las otras opciones más significativas son éstas: mejor oferta de precios, más alternativas y mayor información sobre los productos.

Según Juan Pablo Bruzzo, gerente de marketing del sitio Deremate.com, aumentó notablemente la confianza de los consumidores a la hora de comprar online, y ello se debe a la mayor madurez de los internautas, un mayor conocimiento de las herramientas que ofrece Internet y el boca en boca, que ayuda muchísimo.

"También hay que tener en cuenta que el aumento de usuarios con conexiones de banda ancha, la mayor cantidad de computadoras y la mejora de los servicios y contenidos ofrecidos en los sitios de Internet, dieron un impulso formidable al boom del comercio electrónico", añadió Pueyrredón.

Qué compra la gente

Es muy difícil no encontrar algo en la Web, porque las ofertas son infinitas: uno puede comprar desde autos hasta medias y también objetos mucho más ocurrentes, como grillos, pedazos del Muro de Berlín y cajitas de fósforo antiguas.

Según datos de la CACE, los rubros que más están creciendo localmente son turismo, software y hardware, autos, entradas para espectáculos, supermercados y productos de primera o segunda mano vendidos en sitios de subastas.

Los números que maneja Mercadolibre.com, sitio de subastas que comenzó en 1999, son impactantes: en todo 2000, los usuarios realizaron 145.000 transacciones, y actualmente realizan 700.000... por mes.

Para Tedesco, hubo un cambio de mix de compra, porque hace tres años los usuarios adquirían productos de fácil control y elección, como libros y CD, en tanto que ahora compran productos más complejos, como electrónicos, hardware informático, productos de supermercados y pasajes de avión, turismo y espectáculos", expresó.

Fuente: http://www.clarin.com
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Llega la Bienal de La Habana

La cultura urbana atraviesa las obras seleccionadas para la gran muestra

Con el color turquesa del mar Caribe y al ritmo del son cubano, el próximo 27 de marzo se inaugurará la 9» edición de la Bienal de La Habana. El tema elegido es Dinámicas de la cultura urbana y la gran protagonista será la ciudad, lugar donde se cruzan las historias y las vidas de los grupos sociales, y donde convive desde el glamour con lo doméstico. Los artistas invitados trabajaron sobre estos conceptos y se podrá descubrir visualmente obras que se explayan sobre la desintegración de la ciudad moderna, así como sobre la introducción de nuevos actores sociales o los aspectos de la urbe que enuncian una nueva relación entre lo social y el espacio público.

La dirección de la Bienal está a cargo de Rubén del Valle Lantarón. Un grupo de ocho curadores seleccionó artistas de 36 países. Se realizará en diferentes sedes de la ciudad, con exposiciones individuales de los artistas invitados más cien propuestas que se presentan en el marco de la muestra. Entre las que forman parte del núcleo central figuran la de la artista iraní Shirin Neshat y la del arquitecto francés Jean Nouvel, la exposición del cineasta y fotógrafo aragonés Carlos Saura, las instalaciones del neoyorquino Spencer Tunick, la de Michael Wesely y Lina Kim (Alemania) y La ciudad y la fotografía. La Habana 1900-2005, muestra la obra de cubanos y extranjeros.

El envío argentino, seleccionado por la curadora Margarita Sánchez Prieto, incluye el colectivo Cartele, que propone una visión humorística acerca de la gráfica popular, y las obras de Dolores Cáceres sobre la memoria y el recuerdo, Rosalía Maguid, Laura Messing, Mariano Molina, Andrea Juan, Elisa Strada y Pablo Siquier. Invitadas por el Fondo Cubano de Bienes Culturales, las artistas Susana Beibe y Griselda Ferreyra instalarán un mural interactivo de 20 metros lineales sobre la transformación cultural de Buenos Aires ocurrida entre mediados y fines del siglo XX, a partir del eje del juego infantil.

El espacio expositivo estará integrado por la amplia Fortaleza de la Cabaña, el Centro Wilfredo Lam, la Biblioteca Nacional, numerosas galerías y el espacio público de las calles de La Habana, que serán intervenidas por diversas acciones.

Por Sabrina Cuculiansky
Para LA NACION

ANILLO DEL ARTE - PREMIO MUJERES NOTABLES


Una variedad de estados emocionales que canalizo en constante investigación de la materia, se traduce y refleja en mi obra.

A partir del año 2004 instituí el Premio “Anillo del Arte a Mujeres Notables”.
Primero, pensé en un objeto corpóreo y/o miniescultura... desde la faceta femenina sentí que mejor sería algo para lucir... así surgió, el anillo, brevísima minisecultura que toma el calor y energía de quien lo recibe.

Esta joya de mi autoría, con técnica a la cera perdida está realizada en peltre – plata, con una imagen de mujer presente con proyección de futuro.

Es un reconocimiento a mujeres que de un modo u otro, transitan por la vida senderos del arte, letras, música, danza, ciencias, tareas socio-comunitarias, entre otras. Trabajo que cotidianamente desempeñan en algunos casos, con mucho esfuerzo, sin dejar de lado su condición de madre, o el empeño con que enfrentan la adversidad, o la pasión cotidiana.

La creatividad y poder expresarme en el mundo del arte, nutrió el camino de mi vida y, hoy puedo homenajear a mis pares.


Mercedes Rodrigo
Verano 2006

Con idea y realización de la Artista Plástica Mercedes Rodrigo, se realizará por tercer año consecutivo la entrega del “Anillo del Arte a Mujeres Notables” a nivel nacional e internacional que por su trayectoria se desempeñan en arte, letra, música, ciencias, tareas socio-comunitarias entre otras. A las ya nominadas se pueden incorporar enviando propuestas -currículum vitae- hasta el 13 de marzo de 2006 a: Premio Anillo del Arte – Avenida Congreso 2540, 2º “C” (1428) Ciudad Aut. de Bs. As. Cel.: 15 5780-5729, e-mail: artmercedes@hotmail.com; rgenelarte@yahoo.com.ar.

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El advenimiento de lo nuevo

Con Baudelaire y Manet comenzó la paulatina e implacable destrucción de los principios tradicionales de la pintura

El término "modernidad", o la "tradición moderna", para utilizar una expresión de Octavio Paz, designa un período que comienza hacia mediados del siglo XIX con Charles Baudelaire y Gustave Flaubert en literatura, con Edouard Manet en pintura.

Esta tradición, contradictoria y compleja, fue descripta por Baudelaire, de manera profética, en su crítica al Salón de París de 1845. En el epílogo, resumiendo su impresión sobre las obras expuestas, señala: "Nadie tiene el oído al viento que soplará mañana; y, sin embargo, el heroísmo de la ?vida moderna´ nos apremia y rodea". Por eso, finaliza el notable texto con la esperanza de que el próximo Salón le otorgue la dicha de "celebrar el advenimiento de lo nuevo".

En las mismas páginas, el poeta sugiere mirar hacia el "presente", dando la espalda a los artistas pompiers o académicos, con sus temas mitológicos, históricos, patrióticos, teatrales y grandilocuentes. "El pintor, el verdadero pintor -afirma-, será el que sepa descubrir en la vida actual su aspecto épico y nos haga ver y comprender, con el color y el dibujo, cuán grandes y poéticos somos con nuestras corbatas y nuestras botas lustradas."

En "El pintor de la vida moderna", publicado en 1863, Baudelaire asevera que la modernidad se cumple en la obra de Constantin Guys (1802-1892). Este pintor, para el crítico, es un periodista, el equivalente a un fotógrafo de prensa. Con sus croquis fija los eventos efímeros y los envía a los periódicos donde se realizan los grabados de inmediato con el fin de ilustrar las novedades. Así lo hizo Guys como corresponsal del Illustrated London News, en la guerra de Crimea, durante 1858.

Una nueva pintura

El conflicto entre el arte y la sociedad, frente a la búsqueda de lo nuevo, resultó inevitable. Le déjeuner sur l´herbe de Edouard Manet (1832-1883), tela expuesta en el primer Salón de Rechazados de París, en mayo de 1863, es un buen ejemplo. Un crítico escribió que esta obra "causa risa porque es chocante que una cosa no se parezca a las otras". Lo diferente escandalizaba.

Manet, un artista que ocupa un lugar aparte en la historia del arte, pintó este cuadro con medios plásticos innovadores, muy alejados de los modelos académicos admirados en la época. Además, sin muchas sutilezas, criticaba las normas morales imperantes, al yuxtaponer en la misma composición una mujer desnuda, sentada en la hierba, al lado de los personajes en traje de calle. No era aceptable la representación de la conocida modelo Victorine Meurent (a las modelos se las tenía por mujeres de "dudosa virtud"), con su cuerpo macizo, muy real, y con su mirada frontal que retenía la del contemplador. En el arte de la época sólo se aceptaba el desnudo idealizado, como el que pintaban los pompiers, ajustado a las normas de la academia.

El cuadro de Manet tiene algunas referencias al pasado, es evidente la relación con El concierto campestre, que Giorgione pintó hacia 1508. Sabemos, además, que tomó las poses de las tres figuras centrales de un grupo de dioses fluviales y una ninfa que aparecen en un grabado del boloñés Marcantonio Raimondi (1480-1535), basado en El juicio de París, de Rafael Sanzio. La "apropiación" era una parodia histórica que apreciaban los jóvenes amigos del pintor.

Olimpia, otra tela de Manet, para muchos su obra maestra, expuesta en el Salón de 1865, provocó la reacción y la cólera del público. Fue vista por la mayor parte de los visitantes como una provocación, o como la glorificación de una prostituta (otra vez la modelo era Victorine). Este cuadro también citaba a una obra renacentista: la Venus de Urbino, de Tiziano. Pero las transformaciones fueron entendidas por los contempladores como blasfemas. En la obra de Tiziano la desnudez es inocente; en la de Manet es lo opuesto. Olimpia está desnuda en la intimidad de la alcoba, recostada sobre las sábanas blancas, con una gran flor en la oreja, mientras una sirvienta negra que emerge de las sombras le acerca un ramo de flores.

Emile Zola, defensor de Manet, fue uno de los escasos críticos que comprendieron el sentido de la "novedad" que aparecía en sus obras. En un artículo de 1867 afirmaba que simplemente se trataba de "una nueva manera de pintar". Más aún, entendía que su amigo había librado a la pintura de sus convenciones.

Un siglo más tarde, el influyente crítico norteamericano Clement Greenberg señaló, en su famoso artículo "Pintura modernista", que uno de los paradigmas del arte moderno era Monet, cuya pintura había alcanzado la "plenitud", antes que la de cualquier otro. El ciclo que comenzó con el autor de Olimpia, continuó con Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley y los impresionistas. Ellos concretaron la tarea de destrucción de los principios esenciales de la pintura de caballete, y redujeron el cuadro "a una superficie relativamente indiferenciada".

A Greenberg, gran defensor de Jackson Pollock, le interesaba que el artista aprovechara las características específicas de cada disciplina, rechazando las derivadas de otros medios (como lo "teatral" en la pintura). Todo debía ser traducido en términos ópticos y bidimensionales, por ese motivo apoyó a la abstracción pospictórica de la década de los sesenta (Frank Stella, Morris Louis, Barnett Newman). Sin dudas, en el origen del implacable despojamiento estaba Manet.

Por Jorge López Anaya
Para LA NACION

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ARCO cerró con ventas y anuncios

Los museos y las fundaciones fueron los principales compradores; gran performance del galerista Jorge Mara; opiniones de Lourdes Fernández, la nueva directora de la feria madrileña

MADRID.- Rogelio Polesello cruzó como una ráfaga por el pabellón 7 del Campo de las Naciones, vestido de negro y con un luminoso foulard amarillo al cuello. Quería constatar personalmente la noticia que corría de boca en boca por la feria madrileña: el galerista Jorge Mara lideraba las ventas feriales con su selección de obras de Paternosto, Barcala, Grillo, Muro, Estrada, Coppola y del propio Polesello en versión de fines de los cincuenta y 2006.

Confirmado. Mara vendió tres pinturas al Museo Reina Sofía (Barcala, Estrada y Paternosto), y una pintura al mismo museo que quiere tener la mejor colección latinoamericana en Europa. En ese renglón puede competir con la Tate de Londres, que tiene la misma aspiración. El domingo por la tarde, cuando los viajeros regresaban a sus casas y los coleccionistas intercambiaban figuritas, Jorge Mara sonreía. "Creo que soy quien más ha vendido. Claro, en volumen no por precio", admitía el galerista que tiene muchos "Arcos" en su historia y conoce el mercado español por haber dirigido su propia galería en Madrid.

La comisión de compras del Reina Sofía gastó en ARCO un millón de euros entre pintura, escultura, video y fotografía. El Musac de Castilla y León compró obras seleccionadas por Octavio Zaya, Pepe Guirao y Estrella de Diego, y el director de la institución Rafael Doctor por un total de 350.000 euros. Tita Cervera recorrió la feria en plan de compras y otro tanto hizo la coleccionista Ella Cisneros Fontanalls, cubana con base en Miami. La galerista Cecilia de Torres continuó con la buena racha de ventas iniciada en Miami Art Basel y vendió por 120.000 euros una escultura de León Ferrari, que a los ochenta y pico sigue siendo uno de los más vigorosos y vigentes artistas latinoamericanos. Ferrari fue seleccionado por los curadores de la próxima bienal de San Pablo para integrar junto con Tomás Saraceno y Eloísa Cartonera uno de los módulos de la muestra que bajo el lema "Cómo vivir juntos" ha renovado su formato. No habrá más envíos nacionales: todo el poder a los curadores.

La transparencia de las compras es una señal de madurez del mercado español. Se sabe quién compra y qué compra. La Fundación ARCO enriqueció su acervo con 18 piezas que formarán parte de la colección destinada al nuevo centro cultural de Madrid que funcionará en el antiguo Matadero de Legazpi. El proyecto atiende a los nuevos lenguajes, a la fusión de arte y tecnología, a la participación de colectivos de artistas y a los proyectos de naturaleza híbrida.

Lo mejor de ARCO sigue siendo la enorme convocatoria de público, aunque algunos galeristas piensen que tanto público dominguero conspira contra las ventas, y reclaman más días de puertas cerradas, exclusivos para coleccionistas. Los galeristas tendrán sus razones, pero el razonamiento es de corto alcance, como un árbol que no deja ver el bosque. Ese público que mira mucho y gasta poco es el gran consumidor del espacio que los medios le destinan a las ferias, el centimetraje sería menor si el interés por ARCO alcanzara sólo a un puñado de ricos coleccionistas. En la rueda de prensa del día de cierre, Gómez Baeza presentó un libro de 400 páginas consagrado a las relaciones de la feria con los medios y algunos textos testimoniales de los periodistas y críticos que hemos cubierto la feria, desde aquella lejana invitación de Juana de Aizpuru a la que Juan Manuel Bonet respondió con escepticismo.

Se habla de "nuevos coleccionistas" que son la cosecha de estos años, en los que el gusto se ha aggiornato a partir de la contemplación sistemática de la producción contemporánea. Esa misión didáctica ha sido uno de los logros de la directora saliente. No se han vendido los Picassos carísimos de la colección de Marina Picasso, ni tampoco el Bacon que trajo Marlborough, de 5 millones de euros, pero hubo ventas en el rango que va de los 5000 a los 40.000, como sucede con obras de Julian Opie, Marcos López, Liliana Porter, Peter Zimmermann, Toni Muntadas, Cristina García Rodero y la lista de compras del holding empresarial Afinsa, que incluyó obras de Eduardo Arroyo, Andreas Gursky, Thomas Ruff, Kiki Smith y Suling Wang.

La celebración de ARCO fue la oportunidad para convocatorias de interés para los argentinos, como la recepción organizada por Frances Reynolds, presidente de la Fundación Arte Viva que reunió a galeristas, coleccionistas, funcionarios y banqueros para anudar proyectos de educación a través del arte, objetivo de la institución. Coleccionistas y artistas acompañaron a Florencia Braga Menéndez en la apertura de su galería madrileña VVV Gallery, instalada en el vecindario de Príncipe de Vergara y Alcalá. La apertura tuvo premio: poder ver en avant première el último video de Sebastiano Mauri, una obra de arte que toca el alma. Mauri, fiel a sus obsesiones personales, indaga en la identidad y en la diversidad con tomas de un minuto a seres anónimos, a familiares y a conocidos, que descorren el velo de su intimidad a partir de la elección de su canción preferida. Esa será la música de fondo de ese minuto eterno que instala al espectador en una red de relaciones multiplicadoras.

Por Alicia de Arteaga
Para LA NACION

Palabra de donostiarra

La nueva dirección de la feria

Lourdes Fernández, la nueva directora de ARCO, tiene formación académica y experiencia museística, pero admite que su mayor capital es haber pasado 15 años en las galerías de arte, primero en la Marlborough, de Madrid, y después en la vasca DV, del grupo Vocento.

"Porque he sido galerista, sé lo que quieren las galerías y voy a trabajar para lograrlo", dice. "Esta es una profesión difícil. El galerista tiene que vender. No hay que tenerle miedo a la palabra comercial, porque lo que le permite sobrevivir al arte es el mercado, si no, ¿de qué vivirían los artistas?"

Directa y sin eufemismos, la donostiarra que ha tomado el timón de ARCO ha pedido un tiempo para la reflexión antes de hacer público su proyecto y pasar a la acción: "Se que tengo un reto por delante, ARCO se ha consolidado como una feria de proyección internacional gracias a la gestión de Rosina Gómez Baeza.

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ARCO: 25 años y un juego de damas

Con la edición 2006, la feria de Madrid celebra un cuarto de siglo de transformación cultural con las mujeres como protagonistas




MADRID.- Nacida en Oviedo, formada en Gran Bretaña, Rosina Gómez Baeza pasará mañana la batuta de ARCO a Lourdes Fernández (San Sebastián, 1961), una mujer de armas llevar, entrenada en las artes visuales, con experiencia en el Museo d´Orsay, en la galería Marlborgough, al frente de su propia galería en el País Vasco y como impulsora de la vanguardista bienal bautizada Manifesta.

Si se mira para atrás, el último cuarto de siglo fue para España un período de transformaciones radicales en el terreno de las artes visuales protagonizado a pleno por las mujeres: desde Carmen Alborch, ministra de Cultura de Felipe González, hasta Pilar de Castillo, ministra de Aznar, y ahora Carmen Calvo, ministra de Zapatero y una entusiasta del mundo fashion que vistió para la última entrega de los Premios Goya un atuendo audaz de Agatha Ruiz de la Prada.

El jueves último, durante el acto inaugural presidido por los reyes de España, la escolta fue femenina. Rosina Gómez Baeza, por ARCO; Esperanza Aguirre, presidenta de Madrid; Carmen Calvo, ministra de Cultura; Consuelo Císcar, directora del IVAM valenciano, y Tita Cervera, Baronesa Thyssen, impulsora del fabuloso acuerdo firmado a fines de los ochenta con el duque de Badajoz para fundar el Museo Thyssen ubicado en el triángulo de las bellas artes que completan el Prado y el nuevo Reina Sofía, ampliado según un fabuloso proyecto del francés Jean Nouvel.

Cuando se recorren los 23.000 metros que ocupa ARCO se puede sentir el pulso de lo que ha ocurrido en estos veinticinco años. Con hitos mediáticos como la apertura del Guggenheim de Bilbao, en 1992, o la designación de dos españolas, María Corral y Rosa Martínez, como curadores de la Bienal del Venecia 2005.

¿Quién hubiera imaginado que la mostra veneciana iba a entregar el mando a dos mujeres, y a dos españolas nada menos? Nadie, seguramente, en 1982, cuando Juana de Aizpuru, decana de los galeristas de Madrid, con el apoyo del alcalde Tierno Galván se lanzó a la aventura de ARCO. El 10 de febrero de ese año abrió la feria en el Palacio de Exposiciones de la Castellana, con la presencia de 90 galerías y 364 artistas. Los visitantes sumaron 25.000 ... "y parecía un milagro", recuerda Juana de Aizpuru con su pelo revuelto y su mirada nocturna. "Era el momento para comenzar la feria. España vivía días de cambio. En 19 82 ganó el partido socialista que prometía un porvenir de progreso y todos queríamos recuperar los años perdidos". "Juana de Arco", como la llaman en el ambiente, hizo una feria a su medida y duró en el mando cinco años. En 1987 desembarcó Rosina Gómez Baeza con su perfil anglosajón, dispuesta a enderezar las cuentas y a internacionalizar la feria.

Desde entonces, y hasta hoy, el modelo fue siempre la maquinaria suiza de Art Basel, el "relojito" dirigido por Sam Keller que ahora también da la hora en Miami. La gestión de Gómez Baeza puso en órbita a las galerías argentinas, con la participación de Julia Lublin y Ruth Benzacar. Fue en Arco que dio sus primeros pasos internacionales Guillermo Kuitca, al igual que Miquel Barceló, catapultado a la fama global por la prestigiosa Documenta de Kassel, Alemania. Durante todos estos años y hasta su muerte, Ruth Benzacar convirtió a ARCO en una vidriera por la que pasaron las obras de Benedit, Macchi, Siquier, Porter y Reinoso, entre muchos otros. Una política que continúa Orly Benzacar, según recordó el jueves en el emotivo acto de presentación del libro sobre la vida y la obra de Ruth impulsado por Mauro Herlitzka y Gabriel Werthein, con investigación y textos de Daniel Larriqueta y Victoria Verlichak. La medida del éxito no siempre es cuantitativa. Ni Basilea ni la Freeze de Londres, por citar las dos ferias más trendy del planeta, tienen el público de ARCO. Pero la feria madrileña capitalizó el arte en muchas direcciones que beneficiaron, sobre todo, a la comuna de Madrid, antes un lugar de paso rumbo a Toledo o El Escorial, y hoy, un destino por su oferta cultural.

A la hora del balance, deberá consignarse que la feria ocupa 23.000 metros cuadrados, donde 278 galerías exhiben obras de 3000 artistas, y que el público ronda las 200.000 personas. Todas las voces, desde las más cordiales hasta las más ácidas, desde Paco Calvo Serraller, crítico del El País, a Vicente Todolí, director de la Tate Modern, o Alberto López, director fundador de la influyente revista Lápiz, coinciden en subrayar la influencia que ha tenido ARCO en el cambio de escenario, en la profesionalización de la crítica y de los curadores, y en la creación de una infraestructura museística bajo la consigna: "En cada ciudad un museo".

España ha logrado ubicarse en la cima de los estándares internacionales. Hasta tal punto es así, que el MoMA, de Nueva York, dedica en estos días una muestra a los proyectos españoles de grandes obras que son hoy un laboratorio de pruebas para las firmas más cotizadas del planeta: Calatrava, Rogers, Ghery, Foster y Seshima, entre otros. Paralelamente, y last but not least, se desarrolló un nuevo coleccionismo liderado por particulares e instituciones con presupuesto para comprar arte, algo que suena a ficción en nuestro país donde lo que hay apenas alcanza para los gastos fijos. En la edición 2006 están de vuelta en ARCO galerías de peso como Lisson, que exhibe obras de Tony Cragg una de las "figuritas" del panorama actual, al igual que Julián Opie. Galerie de France muestra trabajos de Pistoletto, Rebeca Horn, Julio González y Matta. Hay una galería neoyorquina que solo exhibe obras de artistas chinos y la suiza Karsten Greve mantiene elevado el listón de su prestigio con obras de Cy Twombly, Louise Bourgeois y Lucio Fontana. La sucursal Miami de Art Basel le ha quitado protagonismo a ARCO en el mercado latinoamericano. Los coleccionistas de Puerto Rico, Cuba, Costa Rica, Venezuela y México se sienten a gusto en una feria que combina rigor suizo a la hora del negocio y sabor latino en el happy hour. Para torcer esta tendencia, preocupante sin duda, las autoridades de ARCO anunciaron que en 2008 el país invitado será Brasil. Una noticia importante por muchas razones: 1) porque modifica el falso concepto de tomar a América latina como un todo en el que reina un puzzle de identidades; 2) porque confirma la fuerte posición de Brasil en la región y su liderazgo en el terreno del arte contemporáneo garantizado por la bienal de San Pablo; 3) Brasil lleva la delantera en la gestión con su política de desgravación fiscal regulada por la ley Rouannet de mecenazgo. En España el mecenazgo es una palabra con sentido, no una utopía. La Fundación ARCO tiene un presupuesto de 170.000 euros para comprar obras de arte, bajo el consejo de María Corral que formó la colección de la Caixa considerada una de las mejores de España. Juan Manuel Bonet, experto en Borges y en las vanguardias, enamorado de las librerías de viejo de Buenos Aires, compra para Bancaja. La Junta de Castilla y León ha puesto en manos de Rafael Doctor, joven director del MUSAC, un millón de euros para enriquecer el acervo y el CEAC (Centro Gallego de Arte Comtemporáneo) gastará 90.000 euros. También comprarán el Reina Sofía, la Tate Modern, la Fundación Mapfre, el CAC de Málaga, el Macba de Barcelona y, con seguridad, el banquero Emilio Botín, que acaba de cerrar un año de ganancias récord para el Banco Santander, según dicen los diarios españoles, equivalente a la deuda externa de Tanzania.

Por Alicia de Arteaga
Para LA NACION

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El arte está de moda

El creciente interés de los gestores de fondos de inversión por el mercado del arte contemporáneo ha animado a las dos grandes casas de subastas a incrementar su oferta en esta temporada.

Christie's presentó una ambiciosa subasta de arte contemporáneo y de la posguerra, con una selección de 76 obras valoradas en unos 107 millones de dólares, el nivel más alto de su historia.

La oferta de Sotheby's es de 73 obras cuyo valor estimado por los expertos oscila entre los 63 y 87 millones de dólares.

Las dos casas apostaron por el voraz apetito de compradores jóvenes que manejan millonarios fondos de inversión y cuyo interés quedó patente ya en la última temporada, cuando quince artistas contemporáneos lograron un récord de ventas en la subasta de Sotheby's y diez en la celebrada en Christie's.

Los expertos en arte aseguran que la filosofía de adquisición de estos compradores distan de la actitud de los coleccionistas tradicionales y ha hecho que, si bien el arte impresionista y moderno sigue siendo el de precios más elevados, el mercado con más movimiento sea el de arte contemporáneo.

El gancho de esta temporada en Sotheby's es un retrato de Elizabeth Taylor titulado "Liz", del "padre del arte pop", Andy Warhol (1928-1987), cuyo valor oscila entre los nueve y los doce millones de dólares.

"Es raro que uno tenga la oportunidad de trabajar con una obra de arte tan impresionante", señaló Tobias Meyer, director del departamento de Arte Contemporáneo de Sotheby's, quien destacó que la pieza está en "excelentes condiciones" y que "es realmente extraordinario que salga a subasta después de cuarenta años" en manos privadas.

Christie's también puso en venta, otra obra de Warhol, el artista más cotizado de la segunda mitad del siglo XX. Se trata de una pintura de su serie "Flowers", cuyo precio está estimado entre siete y diez millones de dólares.

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Orígenes de la modernidad

Hace doscientos años nació un movimiento con una estética nueva y un tipo de artista diferente. Se independizó de sus patronos y creó sólo para sí mismo, para su público y sus colegas responsable sólo ante sí mismo y su público

Existe cierta idea, difundida y arraigada, de que el concepto de arte es algo eterno y universal. También se afirma que su nacimiento hay que buscarlo en la antigua Grecia o en el Renacimiento italiano. ¿Para encontrar los orígenes debemos desandar el tiempo hasta la célebre Venus de Willendorf, la Acrópolis de Atenas, quizá la Florencia del siglo XV?

La realidad es diversa, tal como lo entendemos hoy, el arte apenas tiene poco más de doscientos años. Nació en el siglo XVIII europeo, que es el de la Ilustración. Su principal característica es su status de autonomía. Hasta entonces estaba unificado con las instituciones sociales, laicas o eclesiásticas, simbolizadas por la trilogía del Trono, el Altar y la Nobleza. Se anunciaba el nacimiento del artista independiente, responsable sólo ante sí mismo, su público y sus colegas, no ante patronos o comanditarios.

Como lo señaló Larry Shiner, un catedrático de la Universidad de Illinois, antes del siglo XVIII, durante dos mil años, el arte se había desarrollado con otro concepto. El cambio, para M. H. Abrams, fue "una revolución copernicana". La nueva vía abarcó la sostenida y compleja sucesión de estilos, tendencias y lenguajes, desde las "bellas artes" del neoclasicismo hasta el tiempo de las vanguardias del siglo XX.

El siglo ilustrado vio nacer las principales instituciones del arte, como la estética, la historia del arte, los salones oficiales, la crítica y el museo. En un texto de 1735 con el título Reflexiones filosóficas en torno al poema, Alexander Baumgarten utilizó por primera vez el término estética. No muchos años más tarde, en 1764, Johann Joachim Winckelmann publicó su Historia del arte entre los antiguos, una obra fundamental. Fue el primero en intentar revelar el origen y crecimiento de las artes según los estilos de los pueblos, las épocas y los artistas. Se trataba de la idea del arte como organismo vivo, teoría que persistió largo tiempo.

El Salón de París, conocido como "exposición periódica de artistas vivos", fue creado por la Academia Real de Pintura y Escultura de Francia. Desde 1748 se organizó con un sistema de jurado de selección, obras aceptadas y rechazadas. La crítica de arte fue una consecuencia de esas presentaciones públicas y de la invención de la prensa moderna. En 1747 apareció la primera crónica, por cierto controvertida, sobre uno de estos salones. El crítico más célebre, reconocido como padre del género fue Denis Diderot, un filósofo ilustrado, que cubrió los Salones por encargo de La correspondance littéraire.

El museo es asimismo una institución de los últimos años del siglo XVIII. Aunque existen antecedentes, como las colecciones del Vaticano que podían ser visitadas el Viernes Santo de cada año, recién con la apertura en el Louvre, el 10 de agosto de 1793, quedó librado al público el primer museo en el moderno sentido de la palabra. Sus colecciones se integraron con los bienes de la corona que habían sido nacionalizados. Luego, con el botín napoleónico se reunieron por primera vez todas las artes: de Egipto al Rococó.

Movimientos modernos

En el viejo sistema del arte, que estuvo vigente hasta entrado el siglo XVIII, las obras se hacían por encargo. En la mayor parte de los casos, los pintores y escultores de corte recibían un salario anual y el pago de otros gastos. Quizás quedaron fuera de ese sistema Leonardo, Tiziano, Miguel Angel y algunos otros. Como obligaciones, debían pintar retratos, decorar aposentos y muebles, diseñar tapices y vasijas. También, como Da Vinci, organizaron festivales y banquetes. Imperaba un ideal de arte muy diverso del que maduró a lo largo de los siglos XIX y XX. Nada hacía pensar que algún día, con la crisis del clasicismo y la expansión del espíritu romántico, los artistas comenzarían a reunirse en movimientos aglutinados en torno a objetivos comunes. Menos imaginable era que los creadores quisieran ser originales, rompiendo con todas las tradiciones. Comenzaba a cristalizarse la idea de la modernidad artística.

Esas condiciones las anticipó Le Déjeuner sur l´herbe, un cuadro de Edouard Manet expuesto en el Primer Salón de los Rechazados, en París, en 1863. La tela desencadenó las burlas del público y la crítica unánime condenó esa composición sorprendente en la que "en medio de un bosque umbrío, una señorita privada de toda especie de vestido conversaba con dos estudiantes de boina".

De ese compromiso estético con el presente, con lo nuevo y la utopía, con lo original y la ocurrencia como expresión de la libertad individual, se nutrieron los movimientos modernos. Algunos de sus protagonistas principales, en el siglo XX, fueron Pablo Picasso, Wassily Kandinsky, Marcel Duchamp y Kasimir Malevich.

En 1907, a los veinticinco años, Picasso finalizó Las señoritas de Aviñón, una obra fundacional. Hacia 1910, Wassily Kandinsky abrió el ciclo histórico del arte abstracto con una acuarela conocida como Primera acuarela abstracta. En 1912 y 1913 Georges Braque y Picasso realizaron los primeros collages. Entre 1913 y 1923 Marcel Duchamp trabajó en otra obra emblemática del modernismo, La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (El Gran Vidrio). En 1917, el mismo artista realizó un ready-made que tituló Fuente, un urinario de porcelana de uso masculino que presentó en la Exposición de los Independientes de Nueva York, bajo el seudónimo de R. Mutt. En 1918, el ruso Kazimir Malevich pintó el famoso Blanco sobre blanco. La enumeración, que es sucinta, podría continuar hasta límites no imaginados.

Hasta hace unas décadas, el arte moderno se construyó como un intrincado recorrido de tendencias y subtendencias siempre inaugurales, pendientes de solución e incompletas. Hoy, en el mundo del arte se habla de la crisis de ese modelo. ¿Será por la nostalgia de lo ya conocido y el deseo de lo nuevo con sus incertidumbres? ¿Acaso es el estado permanente del arte contemporáneo?

Por Jorge López Anaya
Para LA NACION

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El gasto en la publicidad online británico supera al radiofónico
El gasto publicitario online en el Reino Unido creció más de un 60% en 2004 y superó por primera vez al radiofónico en términos de cuota de mercado, dijo la Agencia de Publicidad Interactiva en un informe. El gasto publicitario online en 2004 fue de 653,3 millones de libras (unos US$ 1.232 millones), según el grupo de comercio para anunciantes online. El gasto de publicidad en Internet supuso un 3,9% del total del Reino Unido, desde un 2,6% el año anterior, y justo por delante del 3,8% de la radio. "Existe un cambio cultural masivo que obliga a cambiar en el comportamiento del consumidor y del anunciante", dijo el consejero delegado de la agencia, Guy Phillipson. Los grupos de planificación de medios prevén que la publicidad online supere el crecimiento en otros medios en los próximos años, mientras más personas contratan acceso a Internet de banda ancha y los anunciantes se sienten más cómodos gastándose sus presupuestos en campañas online. Los datos de la agencia fueron recopilados por PricewaterhouseCoopers.
Intermanager

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